Edgar Degas - Pferderennen vor Start 1878-80 Poster

Titel Deutsch: Pferderennen vor dem Startjahr 1878-1880 Deutsch: Brillenwand Abmessungen: 40 × 88 cm... Er gilt als einer der Gründer des Impressionismus, obwohl er den Begriff ablehnte und es vorzog, als Realist bezeichnet zu werden. Als hervorragender Zeichner wird er besonders mit dem Thema des Tanzes identifiziert, und über die Hälfte seiner Werke stellen Tänzer dar. Diese zeigen seine Meisterschaft in der Darstellung der Bewegung, ebenso wie seine Rennlehrer und weibliche Akte. Seine Porträts sind für ihre psychologische Komplexität und die Darstellung menschlicher Isolation bemerkenswert. Zu Beginn seiner Karriere war sein Ehrgeiz ein Geschichtsmaler zu sein, eine Berufung, für die er durch seine rigorose akademische Ausbildung und sein nahes Studium der klassischen Kunst gut vorbereitet war. Anfang dreißig wechselte er seinen Kurs, und indem er die traditionellen Methoden eines Geschichtsmalers in zeitgenössischer Materie zum Tragen brachte, wurde er ein klassischer Maler des modernen Lebens. Degas wurde in Paris, Frankreich, geboren, das älteste von fünf Kindern von Célestine Musson De Gas und Augustin De Gas, einem Bankier. Die Familie war gemäßigt wohlhabend. Seine Mutter starb im Alter von 13 Jahren, danach waren sein Vater und Großvater die Haupteinflüsse auf sein früheres Leben. Im Alter von elf Jahren begann Degas (im Erwachsenenalter gab er die prätentiöse Schreibweise des Familiennamen auf) seine Ausbildung mit der Einschulung in Lycée Louis-le-Grand, 1853 geschlossen mit einem Baccalauréat in Literatur. Degas fing früh in seinem Leben an zu malen. 1853 hatte er einen Raum in seiner Zuhause in ein Künstlerstudio verwandelt und 1853 meldete er sich als Texter im Louvre an. Sein Vater jedoch erwartete von ihm, dass er eine juristische Fakultät besuchen würde. Degas hat sich im November 1853 an der Juristischen Fakultät der Universität Paris registriert, aber bei seinem Studium dort wenig Mühe gegeben. Im Jahr 1855 traf Degas Jean Auguste Dominique Ingres, den er verehrte und dessen Rat er nie vergessen hatte: "Zeichn Linien, junger Mann und noch mehr Linien, sowohl aus dem Leben als auch aus dem Gedächtnis, und du wirst ein guter Künstler." Im April desselben Jahres erhielt Degas die Zulassung zur Ecole des Beaux-Arts, wo er zeichnete mit Louis Lamothe, unter dessen Leitung er blühte, nach dem Stil von Ingres. Im Juli 1856 reiste Degas nach Italien, wo er für die nächsten drei Jahre bleiben würde. Im Jahr 1858 bleibe er mit der Familie seiner Tante in Neapel und machte das erste Studium für sein früheres Meisterwerk The Bellelli Family. Nach Michelangelo, Raphael, Tizian und anderen Künstlern der Renaissance zeichnete und malte er auch Kopien. Oft wählte er aus einem Altarwerk einen eigenen Kopf aus, den er als Portrait behandelte. 1860 hatte Degas mehr als siebenhundert Werke wie die italienische Renaissance und die französische Klassik nach seiner Rückkehr nach Frankreich im Jahr 18599 ausgewählt. in ein Pariser Atelier, das groß genug ist, um ihm zu erlauben, mit der Malerei The Bellelli Family zu beginnen - eine imposante Leinwand, die er für die Ausstellung im Salon vorhatte, obwohl sie bis 1867 noch unvollendet blieb. Er begann auch mit der Arbeit an mehreren historischen Gemälden: Alexander und Bucephalus und die Tochter Jephthahs in den Jahren 1859-60; Sémiramis Gebäude Babylon 1860; und Young Spartans um 1860. Im Jahr 1861 besuchte Degas seinen Freund Paul Valpinçon in der Normandie und machte das früheste seiner vielen Studien über Pferde. 1865 stellte er erstmals im Salon aus, als die Jury sein Gemälde "Szene des Krieges im Mittelalter" annahm, das wenig Aufmerksamkeit erregte. Obwohl er in den nächsten fünf Jahren jährlich im Salon ausstellte, reichte er keine Geschichtsbilder mehr ein, und seine Steeplechase - The Fallen Jockey (Salon 1866) signalisierte sein wachsendes Engagement für zeitgenössische Materie. Die Veränderung seiner Kunst wurde hauptsächlich durch das Beispiel von Edouard Manet beeinflusst, dem Degas 1864 begegnet war (während beide das gleiche Velázquez-Portrait im Louvre kopierten, nach einer Geschichte, die apokryphal sein könnte). Zu Beginn des französisch-preußischen Krieges 1870 kam Degas in die Nationalgarde, wo ihm seine Verteidigung von Paris wenig Zeit für die Malerei verließ. Während des Gewehrtrainings wurde festgestellt, dass sein Sehvermögen defekt war, und für die Erholung seines Lebens waren seine Augenprobleme ihm ständig Sorgen. Nach dem Krieg, im Jahr 1872, begann Degas einen ausgedehnten bleibe in New Orleans, Louisiana, wo sein Bruder René und eine Reihe anderer Verwandter lebten. Degas bleibe in einem Haus an der Esplanade Avenue und produzierte eine Reihe von Werken, von denen viele Familienmitglieder darstellen. Eines der Werke von Degas in New Orleans, das eine Szene in The Cotton Exchange in New Orleans darstellt, hat in Frankreich gute Aufmerksamkeit erhalten und war sein einziges Werk, das während seines Lebens von einem Museum (dem von Pau) erworben wurde. Degas kehrte 1873 nach Paris zurück. Im darauf folgenden Jahr starb sein Vater, und bei der anschließenden Besiedlung des Anwesens wurde entdeckt, dass Degas' Bruder René enorme geschäftliche Schulden angehäuft hatte. Um den Familiennamen zu bewahren, war Degas gezwungen, sein Haus und eine Kunstsammlung zu verkaufen, die er geerbt hatte. Er war zum ersten Mal in seinem Leben abhängig vom Verkauf seiner Kunstwerke für sein Einkommen und produzierte einen Großteil seiner besten Werke während des 1874 beginnenden Jahrzehnts. Mittlerweile völlig entzückt mit dem Salon, hat Degas sich mit einer Gruppe junger Künstler zusammengeschlossen, die sich um die Organisation einer unabhängigen Ausstellergesellschaft bemüht haben. Die erste ihrer Ausstellungen, die man schnell als Impressionistische Ausstellungen bezeichnete, fand 1874 statt. Die Impressionisten veranstalteten anschließend sieben weitere Shows, die letzte 1886. Degas spielte eine führende Rolle bei der Organisation der Ausstellungen und zeigte seine Arbeit in allen bis auf eine von ihnen, trotz seiner anhaltenden Konflikte mit anderen in der Gruppe. Er hatte wenig mit Monet und den anderen Landschaftsmalern gemein, die er für sein Gemälde im Freien verspottet hatte. Konservativ in seiner gesellschaftlichen Einstellung verabscheute er den Skandal, der durch die Ausstellungen verursacht wurde, sowie die Werbung und Werbung, die seine Kollegen anstrebten. Er lehnte das Label Impressionist, das die Presse geschaffen und populär gemacht hatte, bitter ab, und sein Beharren auf der Einbeziehung nicht-impressionistischer Künstler wie Jean-Louis Forain und Jean-François Raffaëlli in ihre Ausstellungen schuf einen Rancor innerhalb der Gruppe und trug so zu ihrer letztlichen Auflösung im Jahr 1886 bei. Als sich seine finanzielle Situation durch den Verkauf seiner eigenen Werke verbesserte, gelang es ihm, seine Leidenschaft für das Sammeln von Werken von Künstlern, die er bewundert: alte Meister wie El Greco und Zeitgenossen wie Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin und Van Gogh. Besonders gut vertreten waren in seiner Sammlung drei Künstler, die er idolisiert hatte, Ingres, Delacroix und Daumier. In den späten 1880er Jahren entwickelte Degas auch eine Leidenschaft für Fotografie. Er fotografierte viele seiner Freunde, oft mit Lampenlicht, wie in seinem Doppelporträt von Renoir und Mallarmê. Andere Fotografien, die Tänzer und Akte darstellen, wurden in einigen Zeichnungen und Gemälden von Degas als Referenz verwendet. Im Laufe der Jahre wurde Degas abgeschieden, teilweise aufgrund seiner Überzeugung, dass ein Maler kein Privatleben haben könne. Die Kontroverse um die Dreyfus-Affäre brachte seine antisemitischen Gefühle in den Vordergrund und brach mit all seinen jüdischen Freunden. Sein streitsüchtiger Charakter wurde von Renoir beklagt, der von ihm sagte: "Was für ein Geschöpf er war, dass Degas! Alle seine Freunde mussten ihn verlassen haben; ich war einer der Letzten, der ging, aber selbst ich konnte nicht bis zum Ende bleibe werden." Obwohl bekannt ist, dass er noch Ende 1907 in Pastellfarben gearbeitet hat und vermutlich noch 1910 Skulpturen gemacht hat, scheint er 1912 aufgehört zu arbeiten, als der bevorstehende Abriss seines langjährigen Wohnsitzes an der Rue Victor Massé einen schmerzhaften Umzug zum Quartier des Boulevard de Clichy erzwang. Er war nie verheiratet und verbrachte die letzten Jahre seines Lebens, fast blind, ruhelos durch die Straßen von Paris, bevor er 1917 starb. Degas wird oft als Impressionist identifiziert, eine verständliche, aber unzureichende Beschreibung. Der Impressionismus entstand in den 1860er und 1870er Jahren und wuchs zum Teil aus dem Realismus von Malern wie Courbet und Corot. Die Impressionisten malten die Realitäten der Welt um sie herum mit hellen, "blendenden" Farben, konzentrierten sich primär auf die Effekte des Lichts und hofften, ihre Szenen mit Unmittelbarkeit zu versorgen. Technisch unterscheidet sich Degas von den Impressionisten dadurch, dass er "den Impressionistischen Farbfleck nie adoptiert hat", und er beständig ihre Malpraxis in der Luft herabgesetzt hat. "Er war oft so antiimpressionistisch wie die Kritiker, die die Vorführungen überprüften", so der Kunsthistoriker Carol Armstrong; wie Degas selbst erklärte, "war keine Kunst jemals weniger spontan als meine. Was ich tue, ist das Ergebnis der Reflexion und des Studiums der großen Meister; von Inspiration, Spontaneität, Temperament, ich weiß nichts." Trotzdem wird er genauer als Impressionist beschrieben als als Mitglied jeder anderen Bewegung. Seine Szenen des Pariser Lebens, seine außerzentralen Kompositionen, seine Farb- und Formexperimente und seine Freundschaft mit einigen wichtigen impressionistischen Künstlern - insbesondere Mary Cassatt und Edouard Manet - beziehen ihn alle eng mit der impressionistischen Bewegung zusammen. Degas' Stil spiegelt seinen tiefen Respekt vor den alten Meistern (er war bis weit ins Mittelalter ein begeisterter Copyist) und seine große Bewunderung für Jean Auguste Dominique Ingres und Eugène Delacroix wider. Er war auch ein Sammler japanischer Drucke, deren kompositorische Prinzipien seine Arbeit beeinflussten, ebenso wie der lebhafte Realismus beliebter Illustratoren wie Daumier und Gavarni. Obwohl bekannt für Pferde und Tänzer, begann Degas mit konventionellen historischen Gemälden wie The Young Spartans, in denen sein allmählicher Fortschritt hin zu einer weniger idealisierten Behandlung der Figur bereits deutlich zu erkennen ist. Während seiner frühen Karriere malte Degas auch Portraits von Einzelpersonen und Gruppen; ein Beispiel letzterer ist die Familie Bellelli (c.1858-67), eine brillant komponierte und psychologisch ergreifende Darstellung seiner Tante, ihres Ehemanns und ihrer Kinder. In diesem Gemälde, wie in den jungen Spartanern und vielen späteren Werken, wurde Degas zu den Spannungen zwischen Männern und Frauen gezeichnet. In seinen frühen Gemälden hat Degas bereits den ausgereiften Stil bewiesen, den er später durch unangenehmes Beschneiden und die Auswahl ungewöhnlicher Standpunkte noch weiter entwickeln würde. In den späten 1860er Jahren wandelte sich Degas von seinen ersten Ausflügen in die Geschichtsmalerei zu einer ursprünglichen Beobachtung des heutigen Lebens. Die Racecourse-Szenen boten eine Gelegenheit, Pferde und ihre Fahrer in einem modernen Kontext darzustellen. Er fing an, Frauen bei der Arbeit zu malen, Milliners und Wäsche. Mlle. Fiocre in der Ballet La Source, ausgestellt im Salon von 1868, war seine erste große Arbeit, um ein Thema vorzustellen, mit dem er besonders identifiziert werden, Tänzer. In vielen späteren Gemälden wurden Tänzer im Hintergrund oder in der Probe gezeigt, wobei sie ihren Status als professionelle Tänzerin unterstrichen. Es sind diese Tänzer, die Degas' Popularität bis heute bestimmt haben, von 1870 an malte er zunehmend Ballettfächer. Unter anderem war die Ballettserie leicht zu verkaufen und zu sehen, da die Schulden seines Bruders den Familienbankrott verlassen hatten, benötigte Degas Geld. Degas fing auch an, das Café-Leben zu malen. Er drängte andere Künstler, statt traditioneller mythologischer oder historischer Gemälde "reales Leben" zu malen, und die wenigen literarischen Szenen, die er malte, waren modern und höchst mehrdeutig. So hat beispielsweise das Innere (das auch als The Rape bezeichnet wird) Kunsthistorikern auf der Suche nach einer literarischen Quelle ein Rätsel präsentiert; interne Belege deuten darauf hin, dass diese auf einer Szene von Thérèse Raquin basieren könnte. Als sich sein Thema änderte, änderte sich auch Degas' Technik. Die dunkle Farbpalette, die den Einfluss der niederländischen Malerei ausübte, machte der Verwendung von lebhaften Farben und kühnen Pinselstrichen Platz. Gemälde wie Place de la Concorde lesen als "Momentaufnahmen", frierende Momente der Zeit, um sie akkurat darzustellen, was ein Gefühl der Bewegung vermittelt. Der Farbmangel in der Ballet-Probe von 1874 auf der Bühne und dem Ballet Instructor von 1876 ist ein Link zu seinem Interesse an der neuen Fototechnik. Die Änderungen an seiner Palette, seinen Pinselspitzen und seinem Kompositionsgefühl belegen allesamt den Einfluss, den die Impressionistische Bewegung und die moderne Fotografie mit ihren spontanen Bildern und ihren abseits liegenden Winkeln auf seine Arbeit hatten. Er verwischte die Unterscheidung zwischen Porträt und Genre-Stücken und malte seinen Fagott Désiré Dihau im Orchester der Oper (1868-69) als einen von vierzehn Musikern in einem Orchestergrube, das von einem Publikumsteilnehmer gesehen wurde. Über den Musikern kann man nur die Beine und den Tutus der Tänzer auf der Bühne sehen, ihre Figuren, die durch den Rand des Gemäldes zugeschnitten werden. Der Kunsthistoriker Charles Stuckey hat den Standpunkt mit dem eines abgelenkten Betrachters in einem Ballett verglichen und sagt, dass "es Degas' Faszination mit der Darstellung der Bewegung ist, einschließlich der Bewegung der Augen eines Zuschauer wie auf einen zufälligen Blick, das heißt, es spricht richtig 'Impressionist'." Degas' reifer Stil zeichnet sich durch auffallend unvollendete Passagen aus, selbst in ansonsten eng gerenderten Gemälden. Oft gab er seinen Augenproblemen die Schuld an seiner Unfähigkeit zum Abschluss, eine Erklärung, die von Kollegen und Sammlern mit Skepsis beantwortet wurde, die, wie Stuckey erklärt hat, argumentierten, "seine Bilder hätten kaum von jemandem mit unzureichender Vision hingerichtet werden können". Der Künstler gab einen weiteren Hinweis, als er seine Vorliebe beschrieb, "hundert Dinge zu beginnen und nicht eines von ihnen zu beenden", und war auf jeden Fall berüchtigt, wenn er ein Gemälde als vollständig ansah. Sein Interesse an der Porträtfotografie veranlasste ihn, sorgfältig zu untersuchen, wie der soziale Status oder die Form der Anstellung einer Person durch ihre Physiognomie, Haltung, Kleidung und andere Eigenschaften offenbart werden können. In seinen Porträts von 1879 an der Börse porträtierte er eine Gruppe jüdischer Geschäftsleute mit einem Hauch von Antisemitismus. 1881 stellte er zwei Pastells aus, die "Kriminelle Physiognomie", die jüngst jugendliche Bandenmitglieder darstellten, die wegen Mordes in der "Abadie Affäre" verurteilt worden waren. Degas war bei ihrem Prozess mit einem Skizzenbuch in der Hand anwesend, und seine zahlreichen Zeichnungen der Angeklagten zeigen sein Interesse an den atavistischen Merkmalen, die einige Wissenschaftler des 19. Jahrhunderts als Beweis angeborener Kriminalität ansehen.[33] In seinen Gemälden von Tänzern und Wäschereien offenbart er ihre Beruf nicht nur durch ihr Kleid und ihre Aktivitäten, sondern auch durch ihren Körpertyp. Seine Ballerinas zeigen eine sportliche Körperlichkeit, während seine Wäsche schwer und solide ist. In den späten 1870er Jahren hatte Degas nicht nur das traditionelle Ölmedium auf der Leinwand beherrscht, sondern auch Pastellfarben. Das trockene Medium, das er in komplexen Schichten und Texturen einsetzte, ermöglichte es ihm, seine Anlage für Linie leichter mit einem wachsenden Interesse an expressiver Farbe in Einklang zu bringen. Mitte der 1870er Jahre kehrte er ebenfalls zum Ätzmittel zurück, das er zehn Jahre lang vernachlässigt hatte, und begann mit weniger traditionellen Printmedien zu experimentieren - Lithographien und experimentelle Monotypen. Besonders fasziniert war er von den monotypischen Effekten und überarbeitete die gedruckten Bilder häufig mit Pastellfarben. Diese Medienveränderungen schufen die Gemälde, die Degas im späteren Leben produzieren würde. Degas fing an, Frauen zeichnen und zu malen, die sich mit Handtüchern austrocknen, sich die Haare zu kämmen und zu baden (siehe: Nach dem Bad). Die Striche, die das Formular modellieren, werden freier als zuvor geschrieben; Hintergründe werden vereinfacht. Der akribische Naturalismus seiner Jugend wich einer zunehmenden Abstraktion der Form ab. Abgesehen von seiner brillanten Handwerkskunst und Besessenheit mit der Figur, tragen die Bilder, die in dieser späten Periode seines Lebens entstanden sind, kaum oberflächliche Ähnlichkeiten mit seinen frühen Gemälden. Ironischerweise sind es diese Bilder, die spät in seinem Leben und nach der Hochzeit der Impressionistischen Bewegung entstanden sind, die offensichtlich die koloristischen Techniken des Impressionismus anwenden. Trotz all der stilistischen Evolution blieben bestimmte Merkmale von Degas Werk während seines Lebens gleich. Er malte immer drinnen und arbeitete lieber in seinem Studio, entweder aus dem Gedächtnis oder mit Modellen. Die Figur blieb sein Hauptfach; seine wenigen Landschaften wurden aus Erinnerung oder Fantasie hergestellt. Es war nicht ungewöhnlich für ihn, ein Thema oft zu wiederholen, die Zusammensetzung oder Behandlung variieren. Er war ein beratender Künstler, dessen Werke, wie Andrew Forge geschrieben hat, "in Bühnen vorbereitet, berechnet, praktiziert, entwickelt wurden. Sie waren aus Teilen. Die Anpassung jedes Teils an das Ganze, ihre lineare Anordnung, war der Anlass für unendliche Reflexion und Experimente." Degas selbst erklärte: "In der Kunst sollte nichts wie Zufall aussehen, nicht einmal Bewegung". Degas, der glaubte, dass "der Künstler allein leben müsse und sein Privatleben unbekannt bleiben müsse", lebte ein nach außen unbewegliches Leben. In Gesellschaft war er bekannt für seinen Witz, der oft grausam sein konnte. Er wurde vom Romanautor George Moore als "alter Curmudgeon" charakterisiert und kultivierte bewusst seinen Ruf als misanthropischer Bachelor. Er war in seiner politischen Meinung zutiefst konservativ und widersetzte sich allen sozialen Reformen und fand bei technologischen Fortschritten wie dem Telefon wenig zu bewundern. Er feuerte ein Modell, als er erfuhr, dass sie protestantisch war. Obwohl Degas von 1865 bis 1870 eine Reihe jüdischer Untertanen malte, wurde sein Antisemitismus Mitte der 1870er Jahre deutlich. Sein Gemälde At The Bourse aus dem Jahr 1879 gilt weithin als stark antisemitisch, wobei die Gesichtszüge des Bankers direkt von den damals in Paris grassierenden antisemitischen Cartoon übernommen werden. Die Dreyfus-Affäre, die Paris von den 1890er bis in die frühen 1900er Jahre teilte, verstärkte seinen Antisemitismus weiter. Mitte der 1890er Jahre hatte er die Beziehungen zu all seinen jüdischen Freunden abgebrochen, seine früheren Freundschaften mit jüdischen Künstlern öffentlich abgelehnt und sich geweigert, Modelle zu verwenden, von denen er glaubte, dass sie jüdisch sein könnten. Er blieb bis zu seinem Tod ein offener Antisemit und Mitglied der antisemitischen "Dreyfusarden". Während seines Lebens reichte der öffentliche Empfang von Degas' Werk von Bewunderung bis Verachtung. Als viel versprechender Künstler im konventionellen Modus hatte Degas zwischen 1865-1870 eine Reihe von Gemälden im Salon aufgenommen. Diese Arbeiten wurden von Pierre Puvis de Chavannes und dem Kritiker Castagnary gelobt. Degas schloss sich jedoch bald den Impressionisten an und lehnte die rigiden Regeln, Urteile und Elitismus des Salons ab - genau wie der Salon und die Öffentlichkeit den Experimentalismus der Impressionisten zunächst ablehnten. Degas's Arbeit war umstritten, wurde aber allgemein für seine Verfasserschaft bewundert. Seine Petite Danseuse de Quatorze Ans, oder Kleiner Tänzer von 14 Jahren, die er 1881 auf der sechsten Impressionistischen Ausstellung zeigte, war wahrscheinlich sein umstrittenstes Werk; einige Kritiker beschimpften, was sie für "entsetzliche Hässlichkeit" hielten, während andere darin ein "Blühen" sahen. Die Suite von Akten Degas ausgestellt in der achten Impressionistischen Ausstellung im Jahr 1886 produziert "die konzentrierteste Körper der kritischen Schrift über den Künstler während seines Lebens. ... Die Reaktion war insgesamt positiv und lobenswert." Degas wurde am Ende seines Lebens als bedeutender Künstler anerkannt und gilt heute als "einer der Gründer des Impressionismus". Obwohl sein Werk viele stilistische Grenzen überschritt, diente seine Beteiligung an den anderen großen Figuren des Impressionismus und ihren Ausstellungen, seine dynamischen Gemälde und Skizzen des Alltags und seiner Aktivitäten sowie seine kühlen Farbexperimente dazu, ihn schließlich zur Impressionistischen Bewegung als einer ihrer beststen frühen Künstler Krawatten. Seine Gemälde, Pastelltafeln, Zeichnungen und Skulpturen - die meisten davon waren nicht für die Ausstellung bestimmt und wurden erst nach seinem Tod entdeckt - sind in vielen Museen prominent ausgestellt. Nach seinem Tod im Jahr 1917 fanden sich in seinem Studio über 150 skulpturale Werke, von denen die Fächer hauptsächlich Rassenhasen und Tänzer waren. Degas-Gelehrte haben zugestimmt, dass die Skulpturen nicht als Hilfsmittel zum Malen geschaffen wurden. Seine erste und einzige Ausstellung von Skulptur während seines Lebens fand 1881 statt, als er 1920 den Kleinen Vierzehnjährigen Tänzer ausstellte, der nur noch einmal gezeigt wurde; die Erholung der skulpturalen Werke blieb bis zu einer Ausstellung nach seinem Tod im Jahr 1918 privat. Die Skulptur reagierte nicht so sehr auf sein versagend Sehvermögen als einen weiteren Strang zu seinen fortgesetzten Bemühungen, verschiedene Medien zu erkunden. Wo auch immer die Möglichkeit zur Verfügung schien, erkundigte er sich nach Möglichkeiten, grafische Kunst und Ölmalerei, zeichn und Pastellfarben, Skulptur und Fotografie miteinander zu verbinden. Degas räumte der Skulptur dieselbe Bedeutung ein wie dem zeichn: "Zeichn ist eine Denkweise, die eine andere modelliert." Obwohl Degas keine formalen Schüler hatte, beeinflusste er in hohem Maße mehrere bedeutende Maler, insbesondere Jean-Louis Forain, Mary Cassatt und Walter Sickert; sein bester Bewunderer könnte Henri de Toulouse-Lautrec gewesen sein.[ REALISM-Realismus in der visuellen Kunst ist ein Stil, der die Aktualität dessen darstellt, was die Augen sehen können. Der Begriff wird in verschiedenen Sinne der Kunstgeschichte verwendet; er kann dasselbe wie Illusionismus, die Repräsentation von Subjekten mit visueller Mimesis oder Wahrhaftigkeit gemein werden, oder er kann eine Betonung der Aktualität von Subjekten gemein machen, sie ohne Idealisierung darstellen, ohne dabei ihre schmutzigen Aspekte zu vergessen. Arbeiten können in beiden Sinne realistisch sein, oder in beiden. Die Verwendung der beiden Sinne kann verwirrend sein, aber je nach Kontext ist der zweite Sinn vielleicht häufiger. Der Realismus als eine Tendenz im 19. Jahrhundert war mit ähnlichen Bewegungen im Theater, in der Literatur und in der Oper verbunden. Alle betonten die Darstellung der Alltagsfächer, aber keineswegs immer die klassischen, romantischen oder sentimentalen Ansätze ihrer Behandlung. Die Bewegung begann in den 1850er Jahren in Frankreich. Gustave Courbets bedeutendstes Werk ist A Burial at Ornans, 1849-1850, eine Leinwand, in der er ein Ereignis aufnahm, das er im September 1848 erlebte. Courbets Gemälde über die Beerdigung seines großen Onkels wurde die erste großartige Aussage des realistischen Stils. IMPRESSIONISMUS Impressionismus war eine Kunstbewegung des 19. Jahrhunderts, die als lose Vereinigung von Künstlern aus Paris begann, deren unabhängige Ausstellungen sie in den 1870er und 1880er Jahren in den Vordergrund stellten. Der Name der Bewegung leitet sich vom Titel eines Claude Monet-Werkes ab, Impression, Sunrise (Impression, Soleil Levant), das den Kritiker Louis Leroy dazu veranlasste, den Begriff in einer in Le Charivari veröffentlichten satirischen Rezension zu prägen. Zu den Charakteristika impressionistischer Gemälde zählen sichtbare Pinselstriche, offene Komposition, Betonung des Lichts in seinen sich verändernden Eigenschaften (oft die Auswirkungen des Zeitverlaufs noch verstärken), gewöhnliche Materie, die Einbeziehung der Bewegung als wesentliches Element menschlicher Wahrnehmung und Erfahrung sowie ungewöhnliche visuelle Winkel. Der Entstehung des Impressionismus in der visuellen Kunst folgten bald analoge Bewegungen in anderen Medien, die als Impressionistische Musik und Impressionistische Literatur bekannt wurden. Der Impressionismus beschreibt auch die Kunst, die in diesem Stil, aber außerhalb des späten 19. Jahrhunderts geschaffen wurde. Radikale in ihrer Zeit, frühen Impressionisten brachen die Regeln der akademischen Malerei. Sie begannen, indem sie Farben gaben, frei gebürstet, Vorrang über Linie, und Inspiration aus der Arbeit von Malern wie Eugène Delacroix zeichnete. Sie nahmen auch den Akt des Malens aus dem Studio und in die moderne Welt. Zuvor waren Stillleben und Porträts sowie Landschaften in der Regel innen gemalt worden. Die Impressionisten fanden heraus, dass sie die momentanen und vorübergehenden Auswirkungen des Sonnenlichts einfangen konnten, indem sie in der Luft malen. Sie malten realistische Szenen des modernen Lebens und betonten eher lebendige Gesamteffekte als Details. Sie benutzten kurze, "kaputte" Pinselstriche in reiner und ungemischter Farbe, nicht wie üblich glatt gemischt, um die Wirkung intensiver Farbschwingungen zu erzielen. Obwohl der Aufstieg des Impressionismus in Frankreich zu einer Zeit geschah, als eine Reihe anderer Maler, darunter die als Macchiaioli bekannten italienischen Künstler und Winslow Homer in den Vereinigten Staaten, auch die Plasmabildschirmmalerei erforschten, entwickelten die Impressionisten neue Techniken, die spezifisch für diese Bewegung waren. Das, was seine Anhänger argumentierten, war eine andere Sichtweise, es war eine Kunst der Unmittelbarkeit und Bewegung, der offenen Posen und Kompositionen, des Lichtspiels, das in einem hellen und vielfältigen Farbgebrauch ausgedrückt wurde. Die Öffentlichkeit, zunächst feindselig, kam allmählich zu der Überzeugung, dass die Impressionisten eine frische und originelle Vision erobert hätten, selbst wenn sie nicht die Zustimmung der Kunstkritiker und des Establishments erhielten. Indem der Impressionismus die Empfindung im Auge neu erschafft, die das Thema betrachtet, anstatt das Thema neu zu erschaffen, und indem er einen Schimmer von Techniken und Formen schuf, wurde er zu einem Vorläufer verschiedener Bewegungen im Malwesen, die folgen würden, darunter Neo-Impressionismus, Postimpressionismus, Fauvismus und Kubismus. Die Malerei ist ein Ausdrucksmodus und die Formen sind zahlreich. Zeichn, Komposition oder Abstraktion und andere Ästhetik können dazu dienen, die expressive und konzeptuelle Absicht des Praktizierenden zu demonstrieren. Gemälde können naturalistisch und repräsentativ sein (wie in einem Stillleben oder Landschaftsmalerei), fotografisch, abstrakt, mit erzählerischem Inhalt, Symbolik, Emotion oder politischer Natur beladen werden. Malerei ist die Praxis, Farbe, Pigment, Farbe oder anderes Medium auf eine Oberfläche (Stützbasis) aufzutragen. In der Kunst beschreibt der Begriff sowohl den Akt als auch das Ergebnis, das als Gemälde bezeichnet wird. Gemälde können für ihre Unterstützung Oberflächen wie Wände, Papier, Leinwand, Holz, Glas, Lack, Ton oder Beton haben. Gemälde können mit Blattgold dekoriert werden, und einige moderne Gemälde enthalten andere Materialien wie Sand, Ton und Papierschrott. Ein Teil der Malgeschichte der Ost- und Western-Kunst wird von spirituellen Motiven und Ideen dominiert; Beispiele dieser Malerei reichen von Kunstwerken, die mythologische Figuren auf Töpferwaren darstellen, über biblische Szenen, die an den Innenwänden und der Decke der Sixtinischen Kapelle dargestellt werden, bis hin zu Szenen aus dem Leben Buddhas oder anderen Szenen östlichen religiösen Ursprungs. Zu den fortwährenden und aktuellen Richtungen der Malerei zu Beginn des 21. Jahrhunderts gehören Monochrome Malerei, Heftige Malerei, geometrische Abstraktion, Aneignung, Hyperrealismus, Fotorealismus, Expressionismus, Minimalismus, Textilindustrie, Textilindustrie, Pop-Kunst, Op-Art, Abstrakter Expressionismus, Farbfeldmalerei, Neo-Asssionismus, Collage, Intermediale, Intermediale Malerei, Intermediale, Intermediale Malerei, Umrandungsmalerei, Computermalerei, Postmoderne Malerei, Neo-Dada-Malerei, Gestaltete Leinwand, Umweltmalerei, traditionelles Figurengemälde, Landschaftsmalerei, Portraitmalerei und Animation aus Glas. Die Entwicklung der östlichen Malerei ist historisch parallel zu den Entwicklungen in der Western Malerei, im Allgemeinen, ein paar Jahrhunderte früher. Afrikanische Kunst, islamische Kunst, indische Kunst, chinesische Kunst und japanische Kunst hatten jeweils einen bedeutenden Einfluss auf die Western-Kunst und schließlich umgekehrt. Die ältesten bekannten Gemälde befinden sich in der Grotte Chauvet in Frankreich, die von einigen Historikern als etwa 32.000 Jahre alt bezeichnet wird. Sie werden mit rotem Ocker und schwarzem Pigment graviert und bemalt und zeigen Pferde, Rhinozeros, Löwen, Büffel, Mammut oder Menschen, die oft jagen. Der erste Beweis für die Malerei wurde jedoch in zwei Felsunterkünften im Arnhem Land in Nordaustralien entdeckt. In der untersten Schicht von Material an diesen Standorten werden gebrauchte ockerfarbene Stücke geschätzt 60.000 Jahre alt. Archäologen haben auch ein Fragment von Felsmalereien gefunden, das in einem Kalkgestein in der 40 000 Jahre alten Region Kimberley im Nordaustralien des Westerns erhalten geblieben ist. Es gibt Beispiele für Höhlenmalereien auf der ganzen Welt - in Frankreich, Spanien, Portugal, der China, Australien, Indien etc. In den Western sind Ölmalerei und Aquarellmalerei die bekanntesten Medien, mit reichen und komplexen Traditionen in Stil und Thema. Im Osten dominierte Tinte und Farbfarbe historisch die Wahl der Medien mit gleichermaßen reichen und komplexen Traditionen. Unterschiedliche Farbtypen werden in der Regel durch das Medium identifiziert, in dem das Pigment suspendiert oder eingebettet wird, was die allgemeinen Arbeitsmerkmale der Farbe bestimmt, wie Viskosität, Eignung, Löslichkeit, Trocknungszeit usw.