Sonnenblumen von Van Gogh Reisebecher

Stillleben: Vase mit 15 Sonnenblumen Gemälde von Vincent van Gogh. Der Expressionismus ist nicht nur eine Möglichkeit, Dinge zu sehen, sondern auch eine Möglichkeit, sie zu machen, sie zu malen. Ein Expressionist malen nicht "flach" und in reinen Tönen - er bricht seine Töne auf und wendet sie mit einem liberalen Pinsel an. In Rembrandt, Hals und in der Van-Gogh-Periode der Nuenen ist es tatsächlich erstaunlich, das gleiche Bemühen um Realismus, das gleiche Licht- und Gefühl-Gefühl für expressive Details, kombiniert mit einem nicht weniger ausdrucksstarken Impasto zu finden. Kurz tragen sogar die abgesondertesten und idealistischsten niederländischen Maler die Spuren ihrer nationalen Kulturtraditionen. Wie abstrakt auch immer, Vermeer geriet unter den Einfluss von Caravaggio, das heißt, des Realismus; und zu unserer eigenen Zeit stellen Mondrians Abstraktionen einen ungewöhnlichen ästhetischen Puritanismus mit sozialer Voreingenommenheit dar. Und Rembrandts Licht ist der spirituelle Ausdruck einer beobachteten Realität - oder zumindest jener Elemente dieser Realität, die beobachtet werden können. Aber ein solcher Realismus, wie auch immer der Frank (wie in Frans Hals), ist nicht so sehr darum bemüht, den realen, den physischen Aspekt der Dinge zu respektieren, als ihn auszudrücken. Und während Van Gogh als niederländischer Maler sicherlich fest an der Realität festhielt, war seine beinahe religiöse Ehrerbietung dafür nicht von schmerzlichen Überlegungen abgekoppelt. Daher diese willkürliche Beleuchtung, diese nicht weniger willkürliche, dramatische und oftmals karikatorische Verzerrung - kurz, dieser widerspenstige, unkontrollierte Expressionismus, in dem es trotzdem einen Schimmer des gesamten lyrischen Ausdrucks gibt, der später sein würde. Es ist also so, dass dieser im Wesentlichen lyrische Maler damit begann, die plebesische Realität seiner Zeit zu malen, genau wie Rembrandt und Hals die bürgerliche Realität ihrer Werke gemalt haben - so wie sie es sich wohl vorgestellt haben. Der Leiter einer alten, in Nuenen gemalten Bauernfrau, und die Hände der Kartoffelfresser schwingen so in ihrem rohen, unangenehmen Porträt von Margaretha Trip und den Händen des Regentessens. Aber Van Gogh hatte sozusagen den Schatten für die Substanz getäuscht und versagt, zu erkennen, dass Rembrandts Realismus im Wesentlichen illusorisch war. Wenn die holländischen Klüger, und noch mehr eine bedeutende Figur wie der Virtuosen Hals, Realisten waren - Reproduktion, Interpretation oder Stilisierung der Realität - Rembrandt war, über sein Thema hinaus, ein Mensch, besessen von einem Licht, das nicht von dieser Welt war und das er unermüdlich durch die Labyrinthen des Charoscuro verfolgte. Und Van Gogh, der sich selbst als Sozialrealist gefeiert hat, erkannte noch nicht, dass es seine Mission und seine einzige war, nicht nur den widerspenstigen Ton der Realität zu formen, sondern das aufgeblasene innere Licht der Night Watch zu befreien und es in all seiner Ausstrahlung zu enthüllen. Bis dieser Moment kam, sollte er jedoch in den düsteren Schwarzen und Bräunen verharren, die die "menschliche, allzu menschliche" Seite der Dinge ausdrücken. Es war dieser angeborene Geschmack für die Realität - vor allem die Realität des Lebens von Arbeitern und Bauern -, der ihn dazu brachte, die "Maler nach seinem eigenen Herzen" zu bewundern und zu studieren, denn er musste erst noch in die Phase der Farbinnovation eintreten, die ihn mit anderen Meistern verbinden sollte. Intuitiv durch Natur und selbstsüchtig durch Neigung und die Kraft der Umstände, fühlte sich Van Gogh immer dazu angehalten, sich an die großen Maler zu wenden, sie nicht so sehr als Modelle in Sachen Technik, sondern als symbolische Sponsoren seiner eigenen Experimente. Seine Verehrung von Millet ging tiefer als eine bloße Wertschätzung seines sozialen Realismus, seiner Vorliebe für menschliche Themen. Zuerst war er zweifellos von der Art angezogen, wie Millet demütige Bodenbearbeitung darstellte und so die essenziellen Bände, die mit diesem Thema behielt, gut herausbrachte. Aber eine Untersuchung Van Goghs verschiedener Interpretationen von Millet's Bildern — Der Sensenmann, Die Midday Erholung, The Sower — zeigt, dass für ihn die allzu berühmte Haltung der Dusche, sowohl realistisch als auch romantisch, keine bloße literarische oder melodramatische Geste war. Für Van Gogh drückte er sein eigenes innerstes Wesen aus, seine tiefe Sehnsucht nach dem Boden, die er als das Symbol, gleichzeitig lebensspendenden und unterdrückenden, der Realität sah, wie er sie erlebt hatte. Später, in Saint-Rémy, als er seine frühen Erinnerungen in den lebhaften Farben neu anstrich, die er bereits in Holland getragen hatte, ohne sich dessen bewusst zu sein, hat er Millet's Werk nach seinem eigenen Bild nachgebaut. Delacroix war für ihn die Verkörperung des Ausdrucks in Bezug auf die Farbe. Van Gogh hatte diesen Meister bereits in Holland entdeckt, und in Arles hat er ihn nicht vergessen. Es sei darauf hingewiesen, dass er in einem Brief an Theo ( 8. September 1888) Paul Mantz' Kommentar zur Skizze für Christus am Gennesareth-See zitierte: "Mir ist nie klar geworden, dass man so großartige Effekte aus Blau und Grün bekommen kann."