1000's mehr Kunstdrucke verfügbar - KLICKEN HIER Besichtigen Sie unsere Haupt-Website an http://www.jnniepce.com/ Amedeo Clemente Modigliani (12. Juli 1884 - 24. Januar 1920) war ein italienischer Künstler, der hauptsächlich in Frankreich arbeitete. Hauptsächlich ein bildliches Künstler, wurde er für Malereien und Skulpturen in einer modernen Art bekannt, die vorbei gekennzeichnet wurde Maske ähnliche Gesichter und Verlängerung der Form. Er starb in Paris von tubercular Meningitis, verbittert durch Armut, Überlastung und Sucht zum Alkohol und zu den Betäubungsmitteln. Modigliani war geboren in eine jüdische Familie in Livorno, Italien. Eine Hafenstadt, Livorno hatte lang als a gedient Schutz für die, die für ihre Religion verfolgt wurden, und war Zuhause zu einer großen jüdischen Gemeinschaft. Sein mütterlicher Groß-großgroßvater, Solomon Garsin, hatte nach Livorno im 18. eingewandert Jahrhundert als Flüchtling. Modigliani war das vierte Kind von Flaminio Modigliani und seine französische Ehefrau, Eugenia Garsin. Sein Vater war ein Geldwechsler, aber, als sein Geschäft versagte, lebte die Familie in der Armut. Amedeo Geburt rettete die Familie von der Ruine, wie entsprechend einem alten Gesetz, Gläubiger konnten das Bett einer schwangeren Frau oder der Mutter mit einem neugeborenen Kind nicht ergreifen. Die Gerichtsvollzieher eingeführt das Zuhause der Familie gerade als Eugenia stieg in Arbeit ein; die Familie schützte ihr wertvollstes Anlagegüter durch die Anhäufung sie auf sie. Modigliani hatte ein nahes Verhältnis zu seiner Mutter, die ihn zu Hause unterrichtete, bis er war zehn. Belagert mit Gesundheitsproblemen nach einem Angriff von pleurisy, als er ungefähr elf war, einige Jahre später entwickelte er einen Fall vom Typhus. Als er sechzehn war, wurde ihm Kranke wieder genommen und Vertrag abgeschlossen der Tuberkulose, die neuerer Anspruch sein Leben wurde. Nach Modigliani stellte wieder her vom zweiten Kampf von pleurisy, nahm seine Mutter ihn auf einem Ausflug von Süditalien: Neapel, Capri, Rom und Amalfi, dann Nord nach Florenz und Venedig. Seine Mutter war in vielerlei Hinsicht instrumentell in seiner Fähigkeit, Kunst als Berufung auszuüben. Wenn er war elf Lebensjahre, sie hatte gemerkt in ihrem Tagebuch: " Der Charakter des Kindes ist noch so unformed, dass ich nicht sagen kann, was ich an es denke. Er benimmt sich wie ein verdorbenes Kind, aber er ermangelt nicht Intelligenz. Wir müssen warten und sehen Sie, was innerhalb dieser Puppe ist. Möglicherweise ein Künstler?" Modigliani bekannt gezeichnet zu haben und gemalt von einem sehr frühen Alter und bereits gedacht "schrieb ein Maler", seine Mutter, sogar vor dem Beginn der formalen Studien. Trotz ihrer Befürchtungen dieses Starten er auf einem Kurs vom Studieren würde Kunst seine anderen Studien, seine Mutter sich hingab die Junge beinflussen Modiglianis Leidenschaft für das Thema. Im Alter von vierzehn wenn krank mit Typhus, raved er in seinem Delirium, das er gewollt vor allem um die Malereien im Palazzo Pitti und im Uffizi herein zu sehen Florenz. Wie Livorno lokales Museum nur ein spärliches wenige Malereien durch den Italiener unterbrachte Renaissancemeister, die Geschichten, die er über die großen Arbeiten gehört hatte, die in Florenz gehalten wurden, intrigierten er und es waren eine Quelle der beträchtlichen Verzweiflung zu ihm, in seinem krank gemachter Staat, dass er Macht erhalten nie die Möglichkeit, sie persönlich anzusehen. Seine Mutter versprach, dass sie nehmen würde er nach Florenz selbst, der Moment, den er wiederhergestellt wurde. Nicht nur erfüllte sie dieses Versprechen, aber sie beabsichtigte auch, ihn mit dem besten Malereimeister in Livorno, Guglielmo einzuschreiben Micheli. Modigliani arbeitete Michelis in der Kunstakademie von 1898 bis 1900. Hier seins am frühesten formale künstlerische Anweisung fand in einer Atmosphäre statt, die tief in einer Studie von durchtränkt wurde Arten und Themen Italieners des des 19. Jahrhundertsart. In seiner frühesten Pariser Arbeit Spuren von diesem Einfluss und der seiner Studien der Renaissancekunst, können noch gesehen werden: diese werdende Arbeit wurde so viel von solchen Künstlern wie Giovanni Boldini wie durch Toulouse-Lautrec geformt. Modigliani zeigte großes Versprechen während mit Micheli, und nur aufgehört seinen Studien, als er war gezwungen zu, durch den Anfang der Tuberkulose. Im Jahre 1901 während in Rom, bewunderte Modigliani die Arbeit von Domenico Morelli, einen Maler von melodramatische biblische Studien und Szenen von der großen Literatur. Es ist ironisch, dass er sollte seien Sie also geschlagen durch Morelli, wie dieser Maler als Inspiration für eine Gruppe von gedient hatte Ikonoklasten, die durch den Titel "das Macchiaioli" gekannt gingen (vom macchia - "Schlag der Farbe", oder, nachteiliger, "Fleck") und Modigliani waren bereits den Einflüssen ausgesetzt worden vom Macchiaioli. Dieser Minderjährige, lokalisierte Landschaftsbewegung wurde von einem Bedarf besessen reagieren Sie gegen die bürgerlichen Stylings der akademischen Genremaler. Während sympathetically angeschlossen an (und wirklich zurückdatierend) die französischen Impressionisten, tat das Macchiaioli nicht machen Sie die gleiche Auswirkung nach internationaler Kunstkultur, wie die Zeitgenossen und die Nachfolger taten von Monet und werden heute in großem Maße außerhalb Italiens vergessen. Modiglianis Verbindung mit der Bewegung war durch Guglielmo Micheli, seine erste Kunst Lehrer. Micheli war nicht nur ein Macchiaiolo selbst, aber war ein Schüler vom berühmten gewesen Giovanni Fattori, ein Gründer der Bewegung. Michelis Arbeit war jedoch so modern und das Genre so alltäglich, dass das junge Modigliani gegen es reagierte und es vorzog zu ignorieren die Obsession mit Landschaft, die, wie mit französischem Impressionismus, die Bewegung kennzeichnete. Micheli versuchte auch, seine Schüler, en plein Luft nie zu malen, aber Modigliani anzuregen erhielt wirklich einen Geschmack für diese Art des Arbeitens, skizzierte in den cafés, aber zieht zu malen es vor zuhause und besonders in seinem eigenen Studio. Selbst wenn gezwungen, um Landschaften zu malen (drei bekannt, um zu existieren), Modigliani wählte eine Protocubistpalette, die Cézanne als entsprechender ist das Macchiaioli. Während mit Micheli, studierte Modigliani nicht nur Landschaft, aber auch Porträtmalerei, Stillleben, und der Akt. Seine Mitstudenten rufen zurück, dass das letztere war, wo er beststes seins anzeigte Talent und anscheinend dieses waren nicht eine völlig akademische Verfolgung für den Jugendlichen: wenn nicht malende Akte, wurde er mit der Verführung des Haushaltsmädchens besetzt. Trotz seiner Ablehnung der Macchiaioli Annäherung, fand Modigliani nichtsdestoweniger Bevorzugung mit sein Lehrer, der auf ihn als "Supermann" sich bezog, ein Kosename, der die Tatsache das reflektiert Modigliani war an seiner Kunst nicht nur ziemlich geschickt, aber auch das, das er regelmäßig von zitierte Nietzsches sprach folglich Zarathustra. Fattori selbst würde häufig das Studio besichtigen und genehmigt die jungen Innovationen des Künstlers. Im Jahre 1902 setzte Modigliani fort, was, ein lebenslang Infatuation mit dem Lebenzeichnen zu sein war, in Accademia di Belle Arti (Scuola Libera di Nudo oder "in der freien Schule des Aktes einschreiben Studien") in Florenz. Ein Jahr später, beim unter Tuberkulose noch leiden, zog er auf um Venedig, in dem er registrierte, um bei Istituto di Belle Arti zu studieren. Es ist in Venedig, dem er zuerst Haschisch und, eher als studierend rauchte, Zeit zu verbringen anfing frequentierung der verrufenen Teile der Stadt. Die Auswirkung dieser Lebensstilwahlen nach seinem sich entwickelnde künstlerische Art ist zur Vermutung offen, obgleich diese Wahlen scheinen, zu sein mehr als einfacher Jugendaufstand oder der cliched Hedonism und der Bohemianism, der fast war erwartet von den Künstlern der Zeit; sein Streben nach der reiferen Seite des Lebens scheint zu haben Wurzeln in seiner Anerkennung radikaler Philosophien, wie die von Nietzsche. Im Jahre 1906 Modigliani übersiedelte nach Paris, dann der Schwerpunkt von der Avantgarde. Tatsächlich seine Ankunft an die Mitte des künstlerischen Experimentierens stimmte mit der Ankunft von zwei anderen Ausländern überein wer auch, ihre Kennzeichen nach der Kunstwelt zu verlassen waren: Gino Severini und Juan Gris. Er vereinbarte in Le Bateau-Lavoir, eine Kommune für mittellose Künstler in Montmartre und mietete selbst ein Studio in der Rue Caulaincourt. Obwohl das dieses Viertel der Künstler von Montmartre war gekennzeichnet durch generalisierte Armut, Modigliani selbst dargestellt-Anfangs-, an wenig-wie man würde den Sohn einer Familie erwarten, die versucht, den Anschein von seinem verlorenen instandzuhalten finanziellstehendes zum Geschenk: seine Garderobe war ohne Prahlerei und das Studio adrett er mietete wurde ernannt in einer Art, die zu jemand mit einem fein abgestimmten Geschmack herein passend ist Plüschdrapierung und Renaissancewiedergaben. Er unternahm bald Anstrengungen, die Aufmachung von anzunehmen böhmischer Künstler, aber, sogar in seinen braunen Kordsamten, im Scharlachrot Schal und im Großen schwarzen Hut, er fortfuhr, als ob er ihn slumming, nachdem ergefallen nach härteren Zeiten auszusehen ergefallen war. Innerhalb a Jahr des Ankommens in Paris jedoch hatten sein Verhalten und Ansehen drastisch geändert. Er wandelte sich von einem adretten Akademikerkünstler in eine Art von Prinzen der Vagabunden um. Der Dichter und der Journalist Louis Latourette, nach des Künstlers vorher besuchen gut-festgesetztes Studio nach seiner Umwandlung, entdeckt dem Platz in der Umwälzung, Die Renaissancewiedergaben, die von den Wänden, der Plüsch weggeworfen werden, drapiert in der Verwirrung. Modigliani bereits waren ein Alkoholiker und ein Rauschgiftsüchtiger unterdessen, und sein Studio reflektierte dieses. Modiglianis Verhalten diesmal verschüttet etwas Licht nach seiner sich entwickelnden Art als Künstler, in dem war das Studio fast ein Opferbildnis für alle geworden, die er über übelnahm akademische Kunst, die sein Leben und seine Ausbildung bis zu diesem Punkt markiert hatte. Nicht nur entfernte er das ganzes Abfangen seines bürgerlichen Erbes von seinem Studio, aber ihn auch Set über das Zerstören praktisch die ganze seine eigene frühe Arbeit. Die Motivation für dieses heftige Ablehnung seinem früheren Selbst ist das Thema der beträchtlichen Betrachtung. selbstzerstörerische Tendenzen können seine Tuberkulose und das Wissen abgestammt haben (oder Vermutung) der die Krankheit ihn im Wesentlichen für einen frühen Tod markiert hatte; innerhalb das Viertel der Künstler, viele stellte den gleichen Satz gegenüber, und die typische Antwort war zum Set ungefähr Genießen des Lebens, während sie dauerte, hauptsächlich durch das Hingeben selbstzerstörerischen Aktionen. Für Modigliani solches Verhalten kann eine Antwort zu einem Mangel an Anerkennung gewesen sein; er suchte Firma der Künstler wie Utrillo und Soutine, suchende Annahme und Bestätigung für seins Arbeit von seinen Kollegen. Modiglianis Verhalten stand heraus sogar in diesen Böhmen Umgebungen: er machte häufige Angelegenheiten weiter, trank schwer und benutzte Wermut und Haschisch. Wenn betrunken, würde er sich manchmal nackt an den SozialAnsammlungen abstreifen. Er wurde Inbegriff des tragischen Künstlers, eine nach dem Tod Legende schaffend fast so weithin bekannt wie die von Vincent van Gogh. Während der Zwanzigerjahre unmittelbar nach Modiglianis Karriere und an vorbei angetrieben Kommentare durch André gutschreibendes Lachshaschisch und Wermut mit der Genese von Modiglianis Art, viele Hopefuls versuchte, seinen "Erfolg" zu emulieren, indem sie mit einem Weg der Substanz begann Missbrauch und böhmischer Überfluss. Lachse behaupten-fehlerhaft-dass, während Modigliani a total war Fußgängerkünstler, wenn nüchtern, " … vom Tag, den er selbst zu bestimmten Formen der Ausschweifung verließ, unerwartetes Licht fand ihn vor und wandelte seinen Art. um. Von diesem Tag an, wurde er einer, wer unter den Meistern muss das Leben Art. gezählt werden" während diese Propaganda als Sammeln diente zu denen mit einer romantischen Sehnsucht zu sein schreien ein tragischer, verurteilter Künstler, diese Strategien tat nicht produzieren Sie einzigartige künstlerische Einblicke oder Techniken in denen, die nicht sie bereits hatten. Tatsächlich schlagen Kunsthistoriker vor, dass es völlig möglich für Modigliani ist erzielt zu haben sogar größere künstlerische Höhen war immured er nicht herein und vorbei, seine Selbst zerstört worden Selbst-nachsicht. Wir können nur spekulieren, was er vollendet haben könnte hatte ihn auftauchte intakt von seinen selbstzerstörerischen Erforschungen. Während seiner frühen Jahre in Paris, Modigliani gearbeitet an einem wütenden Schritt. Er war ständig das Skizzieren und machte so viel wie hundert Zeichnungen ein Tag. Jedoch wurden viele seiner Arbeiten von ihm als Untergebenes verloren-zerstört, verlassen hinten in seinem häufige Adressenänderungen oder gegeben den Freundinnen, die sie nicht behielten. Er wurde zuerst durch Henride Toulouse-Lautrec beeinflußt, aber gegen 1907 er wurde fasziniert mit der Arbeit von Paul Cézanne. Schließlich entwickelte er seine eigene einzigartige Art, eine, die nicht kann wird ausreichend mit anderen Künstlern kategorisiert. Er traf die erste ernste Liebe seines Lebens, russischen Dichter Anna Akhmatova im Jahre 1910 als er war 26. Sie hatten Studios im gleichen Gebäude und obgleich 21 Jähriges Anna vor kurzem war verheiratet, fingen sie eine Angelegenheit an. Hoch (Modigliani war nur 5 Fuß 5 Zoll), mit dem dunklen Haar (wie Modiglianis), blasse Haut und grau-grüne Augen, stellte sie ästhetischen Modiglianis dar Ideal und die Paare wurden in einander verfasst. Nach einem Jahr jedoch kam Anna zu zurück ihr Ehemann. Im Jahre 1909 brachte Modigliani Zuhause nach Livorno zurück, kränklich und müde von wildem seinem Lebensstil. Bald war er zurück in Paris, dieses mal, das ein Studio in Montparnasse mietet. Er sah sich ursprünglich als Bildhauer eher als ein Maler und wurde angeregt, um fortzufahren nach Paul Guillaume, interessierte sich ein ehrgeiziger junger Kunsthändler, für seine Arbeit und eingeführt ihm zum Bildhauer Constantin Brancusi. Obgleich eine Reihe Modiglianis Skulpturen im Salon d'Automne von 1912 aufgewiesen wurden, bis 1914 er verließ sculpting und konzentrierte sich nur auf seine Malerei, eine Bewegung, die vorbei herbeigeführt wurde die Schwierigkeit, wenn die bildhauerischen Materialien wegen des Ausbruchs des Krieges und vorbei erworben werden Modiglianis körperlicher Debilitation. In Modiglianis Kunst gibt es Beweis des Einflusses von der Kunst von Afrika und von Kambodscha, die er im Musée de L'Homme gesehen haben kann, aber von seiner Stylizations werden gerade, wie wahrscheinlich zu haben das Ergebnis gewesen seines, das durch Mediæval umgeben wird Skulptur während sein studiert in Norditalien (es gibt keine notierten Informationen von Modigliani selbst, da es mit Picasso und anderen gibt, zum des Streits zu bestätigen der er wurde entweder durch ethnische oder irgendeine andere Art der Skulptur beeinflußt). Ein mögliches Interesse herein Afrikanische Stammes- Masken scheint, in seinen Porträts offensichtlich zu sein. In seiner Malerei und Skulptur, die Gesichter der Modelle ähneln alter ägyptischer Malerei in ihrem flachen und Maske ähnlich Auftritt, mit unterscheidenden Mandelaugen, schürzte Münder, verdrehte Nasen und längliche Hälse. Jedoch werden diese gleichen Eigenschaften durch Mediæval europäische Skulptur und Malerei geteilt. Modigliani malte eine Reihe Porträts der zeitgenössischen Künstler und der Freunde herein Montparnasse: Chaim Soutine, Moise Kisling, Pablo Picasso, Diego Rivera, Marie "Marevna" Vorobyev-Stebeslka, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars und Jean Cocteau, ganz gesessen für stilisierte Wiedergaben. Am Anfang des Ersten Weltkrieges versuchte Modigliani, in der Armee einzutragen aber wurde weil abgelehnt von seiner schlechten Gesundheit. Frauen kamen und gingen, bis Beatrice Hastings sein Leben erreichte. Sie blieb mit ihm für fast zwei Jahre, war das Thema für mehrere seiner Porträts und schloss ein Madame Pompadour und der Gegenstand von viel seines betrunkenen Zorns. Als der britische Maler Nina Hamnett in Montparnasse im Jahre 1914 ankam, auf ihrem ersten Abend dort führte sich der lächelnde Mann am folgenden Tisch im café als Modigliani ein; Maler und Jude. Sie wurden große Freunde. Im Jahre 1916 befreundete Modigliani den polnischen Dichter und der Kunsthändler Leopold Zborovski und seine Ehefrau Anna.The nach Sommer, der russische Bildhauer Chana Orloff stellte ihn zu einem schönen vor 19-jähriger Kunststudent nannte Jeanne Hébuterne, der für Tsuguharu Foujita aufgeworfen hatte. Von a auf konservativen bürgerlichen Hintergrund, Hébuterne wurde durch ihr frommes römisch-katholisches verzichtet Familie für ihre Verbindung mit dem Maler, den sie als wenig mehr als ein verdorben sahen Überbleibsel und, schlechter schon, ein Jude. Trotz der Einwände ihrer Familie bald lebten sie zusammen und obgleich Hébuterne die gegenwärtige Liebe seines Lebens war, ihre allgemeinen Szenen wurde bekannter als Modiglianis einzelne betrunkene Ausstellungen. Am 3. Dezember 1917 Modiglianis öffnete sich erste Einmannausstellung beim Berthe Weill Galerie. Der Leiter der Paris-Polizei wurde scandalized durch Modiglianis Akte und ihm gezwungen zu nahem die Ausstellung innerhalb einiger Stunden nach seiner Öffnung. Nachdem er und Hébuterne auf Nizza umzogen, wurde sie schwanger und gab am 29. November 1918 Geburt zu einer Tochter, die sie Jeanne (1918-1984) nannten. Auf einer Reise zu Nizza, das gewesen war begriffen und durch Leopold Zborovski, Modigliani, Foujita und andere Künstler organisiert versuchte zu verkaufen Sie ihre Arbeiten an reiche Touristen. Modigliani erreichte, einige Bilder aber nur für a zu verkaufen wenige Franken jeder. Trotz dieses während dieser Zeit produzierte er die meisten Malereien, die später wurden seine populärsten und bewerteten Arbeiten. Während seiner Lebenszeit verkaufte er einige seine Arbeiten, aber nie für irgendeinen großen Geldbetrag. Welche Kapital er bald empfing, verschwanden für seine Gewohnheiten. Im Mai 1919 er kam nach Paris zurück, in dem, mit Hébuterne und ihrer Tochter, er mietete Wohnung in der Rue de la Grande Chaumière. Während dort, Jeanne Hébuterne und Amedeo Modigliani malte Porträts von einander und von selbst. Obgleich er zu fortfuhr Farbe, Modiglianis Gesundheit verschlechterte schnell und seine Alkohol-bedingten Stromausfälle wurde häufiger. Im Jahre 1920 nachdem er nicht von ihm für einige Tage gehört hatte, überprüfte sein unten Nachbar auf Familie und gefundenes Modigliani im Bett, das auf Hébuterne im Delirium und gehalten worden sein würden, der fast neun war Monate schwanger. Sie riefen einen Doktor zusammen, aber wenig könnte getan werden, weil Modigliani war Sterben an der tubercular Meningitis der dann-unheilbaren Krankheit. Modigliani starb am 24. Januar 1920. Es gab ein enormes Begräbnis, teilgenommen durch viele von die künstlerischen Gemeinschaften in Montmartre und in Montparnasse. Hébuterne wurde zum Zuhause ihrer Eltern genommen, in dem, untröstlich, sie aus a heraus sich warf Fünftboden Fenster zwei Tage nach Modiglianis Tod, und ihr ungeborenes Kind tötend. Modigliani interred in Père Lachaise Friedhof. Hébuterne wurde am Cimetière De begraben Bagneux nahe Paris und es waren nicht, bis 1930 dass ihre verbitterte Familie ihren Körper zu erlaubte seien auf Erholung neben Modigliani bewegt Sie. Ein Single-Grabstein ehrt sie beide. Sein Epitaph liest: "Schlug unten durch Tod zum Zeitpunkt des Ruhmes." Ihrs liest: "Widmete sich Begleiter dem Extrem Opfer." Modigliani starb mittellos und nur eine Solo- Ausstellung in seinem hilflos-handhabend Leben und seine Arbeit weg geben gegen Mahlzeiten in den Restaurants. Seit seinem Tod seins Ansehen hat angestiegen. Neun Romane, ein Spiel, ein Dokumentarfilm und drei Spielfilme sind gewesen gewidmet seinem Leben. Modiglianis Schwester in Florenz adoptierte ihre 15-Monats-alte Tochter, Jeanne (1918-1984). Als Erwachsener schrieb sie eine Biografie ihres betitelten Vaters, Modigliani: Mann und Mythos. Zwei Filme sind über Modigliani gemacht worden: Les Amants de Montparnasse im Jahre 1958, verwiesen durch Jacques Becker und Modigliani im Jahre 2004, verwiesen von Mick Davis, das Andy die Hauptrolle spielt Garcia als Modigliani. Roter Nude (1917) spielt einen wichtigen Teil in den 1972 Film Reisen mit meiner Tante. Verschlagen das Blinzeln des Gesichtes Maggie Smiths, komplett mit dem hellen roten Haar, scheint gelegt worden zu sein auf die ursprüngliche Malerei. Der 1968 französische Film, Le Tatoué kennzeichnet einen fiktiven Legionaire, der seins zurück vorbei bedecken lässt eine Tätowierung erfolgt durch Modigliani. Da nach seinem Tod, Arbeiten durch Modigliani herein emporgeschnellt haben Wert, ein Kunsthändler wendet den Film auf, der versucht, die Tätowierung weg von der Rückseite von zu erhalten Legionnär und in ein Museum. Ausgewählte Malereien: Kopf einer Frau mit einem Hut (1907) Porträt von Juan Gris (1915) Porträt des Kunsthändlers Paul Guillaume (1916) Porträt von Jean Cocteau (1916) Nackte (CA 1918) Honolulu-Sitzakademie von Künsten Porträt von Jeanne Hébuterne (1918) Porträt von Marios Varvoglis (1920; Modiglianis letzte ausgewählte Skulpturen Malerei) (Nur 27 Skulpturen durch Modigliani bekannt, um zu existieren.) Kopf einer Frau (1910/1911). Kopf (1911-1913). Kopf (1911-1912). Head (1912). Rose Caryatid (1914). Die bildliche Kunst, manchmal geschrieben als figurativism, beschreibt Grafik - besonders Malereien und Skulpturen - die offenbar von den wirklichen Gegenstandquellen abgeleitet werden, und seien Sie deshalb per Definition gegenständlich. Der Ausdruck "bildliche Kunst" wird häufig genommen zur gemeinen Kunst, die die menschliche Zahl darstellt oder sogar zu einer Tierzahl und, obwohl dieses ist häufig der Fall, ist es nicht notwendigerweise so: " Da die Ankunft der abstrakten Kunst der bildliche Ausdruck verwendet worden ist, um sich auf irgendwelche zu beziehen bilden Sie sich von der modernen Kunst, die starke Hinweise auf der wirklichen Welt behält. " Malerei und Skulptur können in die Kategorien von bildlichem deshalb unterteilt werden, gegenständlich und abstrakt, obgleich, ausschließlich sprechend, abstrakte Kunst abgeleitet wird (oder extrahiert) von einer bildlichen oder einer anderen natürlichen Quelle. Jedoch wird der Ausdruck manchmal verwendet als Synonym für nicht-gegenständliche Kunst und nicht-objektive Kunst, d.h. Kunst, die kein hat Ableitung von den Zahlen oder von den Gegenständen. Bildliche Kunst selbst basiert nach einem stillschweigenden Verständnis der extrahierten Formen: die Zahl Skulptur des griechischen Altertums war nicht naturalistisch, denn seine Formen wurden idealisiert und geometrisch. Ernst Gombrich bezog sich die auf Beschränkungen dieser schematischen Bilder, Zugehörigkeit zu dem, das bereits bekannt, eher als das, das gesehen wird, als der "Ägypter Methode", eine Anspielung zur speicherbasierten Klarheit der Bilder in ägyptischem Art. Schließlich Idealisierung gab zur Beobachtung und zu einer bildlichen Kunst nach, die ideale Geometrie balancierte mit größerem Realismus wurde in der klassischen Skulptur durch 480 B.C. gesehen. Der Grieche bezog sich auf Vertrauen auf visueller Beobachtung als Mimesis. Bis die Zeit der Impressionisten, bildlich Kunst wurde durch Versuche, diese gegenüberliegenden Prinzipien zu versöhnen gekennzeichnet. Der Aufstieg von Neoklassische Kunst von Nicholas Poussin und von Jacques-Louis David erzeugte schließlich realistische Reaktionen von Gustave Courbet und von Edouard Manet. Die formalen Elemente, jene ästhetischen Effekte mit Absicht geschaffen, nach denen bildliche Kunst ist Abhängiger, schließen Linie, Form, Farbe, Licht und Dunkles, Massen, Volumen, Beschaffenheit mit ein und Perspektive, obgleich es unterstrichen werden sollte, dass diese Elemente des Entwurfs auch spielen konnten eine Rolle, wenn andere Arten Bilder geschaffen werden -- zum Beispiel abstrakt oder nicht-gegenständlich oder nicht-objektive zweidimensionale Grafik. Malerei ist ein Modus des Ausdrucks und die Formen sind zahlreich. Zeichnen, Zusammensetzung oder Abstraktion und andere Ästhetik dienen möglicherweise, das ausdrucksvolle und das begrifflich zu verkünden Absicht des Praktikers. Malereien können naturalistisch und gegenständlich sein (wie in a noch die Leben- oder Landschaftsmalerei), photographisch, abstrakt, wird mit erzählendem Inhalt geladen, Symbolismus, Gefühl oder ist in der Natur politisch. Malerei ist üblich des Anwendens der Farbe, Pigment, Farbe oder anderes Medium zu einer Oberfläche (Unterstützungsbasis). In der Kunst beschreibt der Ausdruck beide die Tat und das Ergebnis, das eine Malerei genannt wird. Malereien können für ihre Unterstützung haben solche Oberflächen wie Wände, Papier, Leinwand, Holz, Glas, Lack, Lehm oder Beton. Malereien können seien mit Goldblatt verziert Sie, und einige moderne Malereien enthalten andere Materialien einschließlich Sand, Lehm und Papierfetzen. Ein Teil der Geschichte der Malerei in Ost und Westernkunst wird durch geistige Motive und Ideen beherrscht; Beispiele dieser Art der Malerei reichen Sie von der Grafik, die mythologische Zahlen auf Tonwaren bis zu den biblischen Szenen darstellt, die an übertragen werden die Innenwände und die Decke der Sistine Kapelle, zu den Szenen vom Leben von Buddha oder andere Szenen des östlichen religiösen Ursprung. Unter dem Fortfahren und den Stromrichtungen in der Malerei zu Beginn des 21. Jahrhunderts sind einfarbige Malerei, Hart-Rand Malerei, geometrische Abstraktion, Zuwendung, Hyperrealism, Photorealism, Expressionismus, Minimalismus, Lyrical Abstraktion, Pop-Kunst, OPkunst, Abstrakter Expressionismus, Farbfeldmalerei, Neo-Expressionismus, Collage, Intermedia Malerei, Versammlungsmalerei, Computerkunstmalerei, Postmodern Malerei, Neo-Dada malen, geformte Leinwandmalerei, Klimawandmalerei, traditionelle Zahl Malerei, Landschaftsmalerei-, Porträtmalerei und Farbe-aufglas Animation. Entwicklungen in Ost, Ähnlichkeit historisch malend die in der Westernmalerei, herein General, einige Jahrhunderte früher. Afrikanische Kunst, islamische Kunst, indische Kunst, chinesische Kunst und Japanische Kunst jeder gehabte bedeutende Einfluss auf Westernkunst und schließlich umgekehrt. Die ältesten bekannten Malereien sind beim Grotte Chauvet in Frankreich, behauptet von einigen Historikern zu alt sein ungefähr 32.000 Jahre. Sie werden unter Verwendung des roten Ockers und des Schwarzen graviert und gemalt pigmentieren Sie und zeigen Sie die Pferde, Nashorn, Löwen, Büffel, Mammut oder Menschen, die häufig jagen. Jedoch ist der früheste Beweis der Malerei in zwei Felsenschutz in Arnhem entdeckt worden Land, in Nordaustralien. In der niedrigsten Schicht des Materials an diesen Standorten werden verwendet Stücke des Ockers geschätzt, um alt zu sein 60.000 Jahre. Archäologen haben auch ein Fragment gefunden von der Felsenmalerei konserviert in einem Kalkstein Felsenschutz in der Kimberley-Region von Nordwestliches Australien, das wird 40 000 Jahre alt datiert. Es gibt Beispiele der Höhle Malereien ganz über Welt-in Frankreich, in Spanien, in Portugal, in der China, in Australien, in Indien etc. In der Westernkultur-Ölmalerei und in der Watercolormalerei sind die bekanntesten Medien, mit Reichen und komplexe Traditionen in der Art und im Thema. Im Osten Tinte und Farbtinte herrschte historisch die Wahl von Medien mit den gleichmäßig reichen und komplexen Traditionen vor. Verschiedene Arten der Farbe werden normalerweise durch das Medium identifiziert, dass das Pigment verschoben wird oder herein eingebettet, die die allgemeinen Arbeitseigenschaften der Farbe bestimmt, wie Viskosität, Missbarkeit, Löslichkeit, Trockenzeit, etc. Beschreibungs-Quelle Wikipedia